Bad Seed Ltd./PIAS/2013

En activité quasi perpétuelle, l'Australien se remet en selle pour un 15ème album studio avec The Bad Seeds (le premier sans Mick Harvey), enregistré dans une maison du XIXème siècle, situé dans le Sud de la France. Après deux albums costauds avec Grinderman, une ou deux B.O. de films ça et là (The Road, Lawless...), Push The Sky Away paraitra le 18 février prochain et a été produit par Nick Launay, déjà derrière les manettes pour Motorama, Abattoir Blues et Dig, Lazarus, Dig !! et les deux Grinderman. Revue titre par titre d'un album très attendu.

01. We No Who U R : Ca commence avec la voix grave de Cave. On n'est pas mécontent de le retrouver, je crois. Une mélodie soyeuse et des choeurs féminins qui accompagnent. Une entrée en matière tout en douceur. Après la fougue Grinderman, ça fait du bien. "There is no need to forgive".

02. Wide Lovely Eyes : Le rythme régulier d'un sampler (celui de Warren Ellis ?), les notes de clavier discrètes, les choeurs masculins et la voix toujours impeccable de Cave. Entrons dans la danse. "You wave and say goodbye".

03. Water's Edge : Une basse vrombissante et le violon de Warren Ellis. L'ambiance est presque cinématographique et le crooner australien alterne entre le spoken word et le chant. Il y a aussi cette batterie presque jazzy qui aide à installer une certaine tension. "The girls who dance on the water's edge shaking their asses".

04. Jubilee Street : Il n'y a pas grand chose à dire si ce n'est que la chanson nous envoûte complètement. Les arrangements de cordes y sont très beaux. Un très grand morceau. "I'm pushing my wheel of love of Jubilee Street".

05. Mermaids : Les Bad Seeds multiplient les effets de son (claviers, guitare électrique...) afin de donner un titre ambiant et mélancolique à souhait. Plus loin, une guitare acoustique qui traine et toujours ces harmonies vocales. Ces nappes de claviers imitent le chant des sirènes et le morceau nous attire vers lui sans aucun mal. "I believe in God, I believe in mermaids too".

06. We Real Cool : Titre proche de Water's Edge, la basse ronfle, inquiétante. Comme sur la plupart des chansons de Push The Sky Away, Nick Cave est là pour nous raconter une histoire. Le mot est placé, sûr de lui. Les arrangements de cordes de la fin du morceau y sont juste parfaits. Merci, Warren ! "Who was it you called the good shepherd ?".

07. Finishing Jubilee Street : Nick Cave & The Bad Seeds reprennent les accords et l'atmosphère de Jubilee Street. Le feedback de batterie et le gimmick de guitare nous mettent dans l'ambiance. Les choeurs de la fin du morceau soufflent une énergie communicative. "Coming on down, coming on down".

08. Higgs Boson Blues : On entend assez peu de guitare sur le disque et ce, dû au départ de Mick Harvey. Ce petit blues très réussi laisse un peu plus de place à cet instrument ici. "I've been sitting in my basement patio, it was hot up above".

09. Push The Sky Away : Dernier morceau du disque. Les nappes de clavier portent ce morceau épuré. Nick Cave est accompagné par une voix féminine. Le duo fonctionne à merveille pour ce morceau. "I was right, I was right". 

A l'instar des disques de Lambchop ou Tindersticks, Nick Cave & The Bad Seeds ont opté pour un album lent mais pas pour autant dénué de relief et de titres atmosphériques, emprunts de tension et de sensualité voire même d'une certaine sexualité, à en juger par la pochette de l'ouvrage. Un album homogène, diront certains, redondant, penseront les autres. Ces nouveaux morceaux, dont on peut percevoir les textes à la fois comme des récits ou des scénarios, parviennent à nous happer vers eux. C'est sans doute grâce à la voix envoûtante de Nick Cave et aux musiciens qui l'accompagnent.   

- Georges.

(c) 2013

Sub Pop/Bella Union/2012

D'un côté, un songwriter de génie, sombre et énigmatique, ex-batteur des Fleet Foxes, l'un des plus grands groupes de folk contemporain : Joshua Tillman. De l'autre, un compositeur-producteur, auteur de l'un des meilleurs albums de 2011: Jonathan Wilson. Ce dernier accueille le fraichement autoproclamé Father John Misty dans son studio de Laurel Canyon pour donner naissance à Fear Fun, une réalisation attendue impatiemment au vue des qualités des protagonistes et de ce que peut offrir leur rencontre. Le tout mixé par Phil Ek (Fleet Foxes, Band Of Horses).

Revue piste par piste de Fear Fun, sortie prévue le 30 avril 2012.

Fun Times In Babylon: Une voix en réverb' qui nous accompagnera tout le long de Fear Fun. Jusque là pas une nouveauté chez Tillman. Puis la rythmique se met entre en scène pour une marche lente, aux couleurs chaudes, méditerranéennes, et aux choeurs doux.

Nancy From Now On: J. Tillman ose pousser sa voix dans les aigus, s'ouvre encore un peu plus, pour ce morceau avec des synthés un brin 80's mais qui savent éviter d'être kitsch. Nancy From Now On est surtout un morceau de pop californienne du plus bel effet, révérence à tous les Harry Nilsson et autres garçons de la plage.

Hollywood Forever Cemetery Sings: De la réverb', une guitare lacérée, un énorme morceau folk-rock, totalement imprégné de Neil Young & Crazy Horse. Un véritable monument, sommet de cet album. Et on ose espérer un jour pouvoir l'entendre sur scène.

Writing A Novel: Après un début d'album sur un rythme relativement lent, l'ami Joshua accelère le rythme avec cette compo country, accompagné d'un piano honky tonk. L'ombre de Creedence Clearwater Revival plâne...

O I Long To Feel Your Arms Around Me: Un orgue, des claps, des choeurs à la Fleet Foxes comme pour nous remémorrer que les premiers morceaux ont été envoyés à Wilson pendant l'enregistrement de Helplessness Blues. Une déclaration en forme d'intermède, à la production extrèmement simpliste, qui souligne le talent de Johnathan Wilson qui peut aussi amener des compos longues et alambiquées que comme ici, dans leur plus sobre essence.

Misty's Nightmares 1 & 2: Peut-être le morceau où l'on sent le plus la présence de Wilson et de ses influences. Ici on pense à Crosby, Stills & Nash sans Neil Young. Du folk très 70's, sans complexe, qui tire de la présence d'un orgue un côté psychédélique.

Only Son Of The Ladies' Man: L'homme fût batteur des Fleet Foxes, et ça se ressent ici, plus encore que sur O I Long To Fell Your Arms Around Me. Ce morceau semble tout droit sorti du dernier disque de Robin Pecknold. Choeurs et arrangements. Du folk de cathédrale à la Fleet Foxes. Grandiose, donc.

This Is Sally Hatchet: Un petit air de Beatles dans cette chanson pote, époque Abbey Road. Un très grand final en montée, avec des cordes encore une fois dignes des Fab Four et une guitare très psychédélique.

Well, You Can Do It Without Me: Une folk song simple qui n'est pas sans rappeler Roy Orbinson, particulièrement dans le refrain.

Now I'm Learning To Love The War: Un peu de pop ici, avec une ambiance 60's, rappelant une nouvelle fois Lennon et consors. 

Tee-Pee's 1-12: Des accents très sudistes pour cette piste, mi-country, mi-bluegrass. Certaines mauvaises langues feront le parallèle avec le générique de Fall Guy, et objectivement n'auront peut-être pas tort. Mais Tillman brouille les pistes en intégrant un petit break à la Beach Boys.

Every Man Needs A Companion: On n'aurait jamais pensé qu'un jour Joshua Tillman fasse ce genre de titre-déclaration, comme Neil Young en son temps sur Harvest (A Man Needs A Maid). Et c'est pourtant le cas ici, comme si sa nouvelle identité l'avait changé. Une déclaration, un pamphlet contre la solitude, Tillman dit qu'il en marre d'être surnommé J., qu'il est Joshua. Fear Fun se clôt comme il s'est ouvert, sur une marche où la mandoline s'invite.

Fear Fun est un album décomplexé, où on découvre un nouveau Joshua Tillman, qui semble avoir brisé sa carapace et s'être ouvert au monde. Chose jusqu'ici impensable à l'écoute de sa discographie. Et ça lui réussit plutôt bien. On a à la fois l'album le plus produit et le plus abordable de Tillman. Et à parier un des très grands de 2012.

- F. with a little help from S.

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Autoproduit/2012

Forts d'un premier EP qui est devenu la bande-son quasi officielle de l'émission de France 2 Rendez-Vous En Terre Inconnue et d'un album West Of The Sun Stories (2010) dans la plus pure tradition folk-americana, les Bisontins de My Lady's House reviennent pour notre plus grand bonheur. Des chansons, pour certaines déjà entendues sur scène, trouvent désormais leur place sur ce nouveau LP, qui démontre l'évolution et la maturité du quatuor. Après l'ouest, direction le sud.

Revue chanson par chanson de Run In The South.

Postcard From A Place You're Not: Trois notes. Et déjà un changement, une évolution sont palpables. La ligne folk est toujours présente, mais on sent l'ouverture à une palette plus large de compositions. Cette première piste est une pop-folk song, totale héritière du regretté Elliott Smith. Une mélodie en montée qui nous prend par la main et lance idéalement ce second LP.

Now And There: Le mellotron s'invite sur ce Now & There où une voix féminine nous ouvre les portes de cette composition d'où émane une certaine fragilité. Pour la première fois chez My Lady's House, les hommes s'effacent pour offrir à Cécile Bardey ce morceau, où l'on a l'impression de découvrir réellement sa voix pour la première fois. 

Strike Day: Si les deux premières pistes de Run In The South étaient lumineuses, on change d'atmosphère ici pour prendre une tournure beaucoup plus sombre. On revient à un folk mélancolique, mélancolie renforcée par les violons et surtout par une voix féminine qui résonne au loin, comme un fantôme.

The Devil With It : Après un début plutôt calme, voici les premiers coups électriques. Cette électricité présente déjà sur scène trouve enfin sa place sur disque mais sait garder son côté brut. Les trois voix s'unissent en choeur pour dévoiler un morceau en rupture, où les breaks relancent de plus belle la machine à décibels.

Daughter: Cette berceuse, illustration de la relation entre un père et sa petite fille, est totalement country. Un tempo lent relevé par un violon, nouveauté de ce second LP. Le duo de voix se marie divinement et c'est l'occasion d'entendre chaque membre du groupe apporter sa contribution aux choeurs. Les premiers American Recordings ne sont pas loin...

Parkside House: Ecrite avant que ne débarque dans les bacs Gentle Spirit de Jonathan Wilson, Parkside House possède cette réverb' dans la voix chère au musicien de Laurel Canyon. Une compo simple, intimiste, sensible. A classer parmi les meilleurs morceaux de My Lady's House.

Run In The South: Les fans de Jim Jarmusch et de l'ambiance noire de Dead Man vont être conquis par le morceau-titre qui tire toute son essence d'une guitare pleine de réverb', avec une tension soutenue par une batterie lourde. Très noire, on ressent la peur dont nous fait part la personne qui nous conte ici son histoire.

Coast Starlight: Sur cette compo, on retrouve les accords boisés du EP #1, soutenus par un banjo sans doute possible influencé par J. Tillman, période Cancer & Delirium.

The Story Of Sam Brinson: Ce petit frère de Flivers est le dernier morceau d'une trilogie entamée avec The Devil With It et Run In The South. Les amplis sont débranchés pour revenir à une chanson mélancolique, du  pur américana.

Falcon Lake : Ce titre, qui a déjà une longue vie en live derrière lui, clôt magnifiquement Run In The South. Une longue chevauchée épique où le banjo est supporté par une guitare qui sent bon le Neil Young de Dead Man ou du plus récent Le Noise. Totalement en rupture, il se termine sur des choeurs aériens qui laissent comme une ouverture, une évasion pour le futur de My Lady's House. Rideau.

Falcon Lake laissait penser à une fin d'album. Et bien non, après un léger blanc, arrivent deux autres titres bonus. Un espace vide volontairement voulu pour souligner le côté à part des pistes à suivre.

Run In The South (Acoustic Version): Comme aux grandes heures de Rust Never Sleeps ou de Freedom du Loner, on retrouve une compo dans sa version dépouillée, après son côté électrique.

The Lost Guys: Avec ce morceau, les influences pop du groupe sont mises en avant, comme sur le classique Before The Rain de EP#1. Cette compo, totalement anglaise, emprunte à la construction de chanson qu'affectionnaient les Fab Four ou le plus récent Noel Gallagher soulignée par des cordes et qui est coupée par un break de guitare acoustique, digne des grandes heures de Space Oddity de Bowie.

My Lady's House délivre avec Run In The South un album mature, plus profond, et moins homogène que son prédécesseur. Toute l'essence et l'expérience live ont su être captées et retranscrites pour la version studio. On découvre un recueil de chansons explorant divers horizons, des morceaux aux arrangements variés, chargés en émotions, de la lumière vers des chemins plus sombres. Avec Run In The South, My Lady's House délivre un grand album de folk, qui pourrait bien leur permettre (et on leur souhaite) de se mettre définitivement en lumière.

- F.

© - copyright - 2012

Blast Records/Global Music/2012

Grand succès commercial des mi 90's (Troublegum (1994), Infernal Love (1995)), le trio irlandais, en dépit d'un certain désintérêt aussi soudain que leur succès le fût, n'a pourtant jamais arrêté de trimer. Pour preuve simple, A Brief Crack Of Light est leur seizième album studio. Et pour quiconque a continué de les suivre, c'est toujours un plaisir d'entendre une nouvelle production du groupe, d'autant plus que celui-ci se remet constamment en question pour offrir des albums aux styles variés. Passage en revue chanson par chanson de la galette 2012.

Living In The Shadow Of The Terrible Thing: Le premier extrait qui tourne depuis quelques semaines voit un Therapy? revenu à l'époque de Toublegum avec ce morceau où la section rythmique joue un grand rôle. Gros passage de basse, batterie claire, on croirait presque entendre du Helmet. Première piste et premier coup de poing.

Plague Bell: Une compo brut, rentre dedans, heavy, qui semble avoir été enregistrée en une seule prise afin de pouvoir capter toute l'énergie développée par le trio. Et on a toujours du mal à croire que ce sont seulement trois musiciens qui arrivent à ce niveau de décibels.

Marlow: Comme pour calmer un peu le jeu, la troisième piste de A Brief Crack Of Light est une power pop song instrumentale. Choix étonnant en début d'un album mais qui en regardant en arrière nous rappelle l'univers de Semi-Detached et de titres comme Lonely, Cryin' Only ou Safe.

Before You, With You, After You: Noire, inquiétante, toute en rupture.On ne peut s'empêcher de penser à certains groupe de métal des 70's, Black Sabbath plus particulièrement.

The Buzzing: Les fans de la première heure ne pourront éviter de faire le rapprochement avec les premières productions du groupe, Babyteeth ou Nurse. Andy Cairns crie dans son microphone. Musicalement, c'est plutot difficile dans une première approche, les guitares sont bruyantes et en roue libre parfois. Mieux vaut y revenir un peu plus tard.

Get Your Dead Hand Off My Shoulder: Un petit côté indus pour attaquer la face B du vinyle avec un titre une nouvelle fois assez sombre. Therapy? crée une atmosphère angoissante tiendra en haleine jusqu'à sa conclusion.

Ghost Trio: Dans la plus pure tradition des Irlandais. Une construction plutôt étrange puisqu'il n'existe pas de refrain dans ce titre. Juste un couplet répété entrecoupé d'une grande plage instrumentale.

Why Turbulence: Retour d'une compo heavy et pop, finalement très représentative du groupe. Avec son refrain sur un rythme plus soutenu, Why Turbulence est hyper efficace et à coup sûr bénificiera d'un bel avenir en live.

Stark Raving Sane: On l'a déjà dit: Therapy? touche à tous les genres. Avec ce titre, l'adjectif éclectique sera encore idéal pour qualifier le combo qui délivre ici une punk song améliorée, ne dépassant pas les trois minutes.

Ecclesiastes: Conclusion en douceur sur une ballade synthétique, où la voix de Cairns passe au vocoder mais ne tombe jamais dans le kitsch, difficulté majeur de ce type d'exercice. Un apaisement nécessaire après le mur du son engendré par A Brief Crack Of Light. La compo rappelle par certains côtés la programmation des intermèdes de Infernal Love.

Therapy? délivre donc encore une fois un album varié, rentre dedans, très réussi, peut-être un poil en dessous de Crooked Timber. Mais notre plaisir n'est en aucun cas gâché et A Brief Crack Of Light plaira à coup sûr aux fans, surtout ceux de la première époque qui trouveront ici quelques titres qui deviendront incontournables.

- F.

© - copyright - 2012

Audio, Video, Disco, le tant attendu deuxième album de la paire parisienne la plus hype du monde sortira le 24 octobre 2011. Revue titre par titre du successeur de †.

Ed Bangers/Because/Warner/2011

Horsepower : on dirait presque l'intro de Thriller. Même si ce premier titre sonne très très vieillot. Le duo De Rosnay-Augé fait se croiser sonorités de musiques de films et violons synthétiques. Le ton et l'ambiance sont donnés. 

Civilization : dans le sillage d'Horsepower, ce titre convoque des parties vocales. Quelque part entre Daft Punk et Kiss, le morceau n'est pas d'une grande surprise, on a l'impression de l'avoir déjà entendu mais il est représentatif du durcissement de ton de Justice. Exit les tueries tubesques du type D.A.N.C.E., place à des titres obscurs et bruts mais pas spécialement moins mélodiques.

Ohio : "Ohio, Tennessee, California...", ce morceau nous fait un petit cour de géo sur les Etats américains. Les voix trafiquées sonnent un peu faux, et les claviers sont vintage au possible. Là encore, l'influence "écurie Ed Bangers" se fait sentir. La B.O. idéale d'un film de Quentin Dupieux. A noter un solo dégueulasse au clavier qui nous renvoie direct dans les années 80.

Canon (primo) : interlude médiéval de 27 secondes sans grand intéret. 

Canon : un riff de guitares joué au clavier (tiens, ça ne vous rappelle pas un certain autre duo, mais masqué ?), un rythme entraînant qui fonctionnera bien en club.

On'n'On : ce morceau avec invité vocal est plutôt réussi, là encore on est plongé dans les sons de quelques décennies passées. Il y a même ce solo de flûte au milieu du disque, pour le coup bien senti. 

Brianvision : ici aussi, un solo de guitare sûrement joué au clavier. On pense beaucoup à Brian May d'ailleurs. Toujours le même type de sonorités, Justice n'en sort pas vraiment en fait sur ce disque. Difficile de ne pas évoquer Daft Punk, dans ce choix quasi-permanent d'ambiances à la fois 80's et cinématographiques. 

Parade : que ceux qui ne supportent pas les riffs de guitares synthétiques passent leur chemin. AVD en regorge. Idem pour les synthés. Pour une fois, même si on a l'impression depuis un petit moment d'avoir déjà entendu ça, Parade est l'un des titres les plus audacieux du disque, grâce à l'ajout de choeurs et ce rythme lourd.

Newlands : les fans de Supertramp devraient apprécier l'intro au clavier de cet autre morceau chanté. Toujours les mêmes influences pour un futur single très efficace. 

Helix : là, c'est les fans de Queen et de Kiss qui vont être contents ! On croit reconnaitre la voix de Freddy Mercury sur Helix mais on se trompe peut-être. Toujours est-il que le titre est efficace.

Audio, Video, Disco : après une petite intro à la Rondo Veneziano, le tempo s'accèlère et révèle un titre plutôt entraînant, taillé pour les clubs. Les nappes de synthés toujours présentes, le gimmick vocal répété, on commence à connaître la recette.

Comme souvent, il est assez difficile de se prononcer sur une première écoute. On peut quand même conclure cette séance en disant que Justice s'est nourri de sonorités vintage, de hard-rock, de musiques de films (Carpenter, sans aucun doute) et de certains contemporains (Daft Punk, indéniablement) pour faire naitre ce deuxième album qui se démarque du premier par certaines ambiances plus sombres mais en conservant un certain sens de la mélodie et du rythme. De là à dire qu'on trouve ça génial...

- S.

(c) 2011

On frétille toujours à l'idée d'un nouvel album de Feist, grande prêtresse pop du XXIè siècle. Que nous a t-elle concocté cette fois-ci ?
Revue titre par titre de ce Metals, déjà annoncé comme un grand disque. Sortie le 03 octobre.

Polydor/Universal/2011

The Bad In Each Other : les rythmes quasi-tribaux de ce morceau nous accueillent puis la guitare et la voix si reconnaissables de la Canadienne se font une place. Enfin, des cuivres majestueux et un final où s'entrechoquent tous ces instruments. Avec ce très beau titre d'entrée aux arrangements fort soignés et ses voix charmeuses, Feist frappe fort.

Graveyard : imaginerait-on une chanteuse capable de rendre le mot "cimetière" beau et mélodique ? Là encore, Leslie Feist signe une très belle chanson, pas du tout morbide quoiqu'un tantinet mélancolique. Sa voix, quant à elle, est toujours aussi puissante et racée.

Caught A Long Wind : telle une berceuse qui viendrait à bout de n'importe quel nourrisson, ce troisième morceau est d'une douceur à toute épreuve. Glockenspiel et piano se joignent à la guitare. Le secret de fabrication des chansons de Feist réside en la symbiose de ses instruments acoustiques.

How Come You Never Go There : toujours épaulée d'une fine équipe (Gonzales, Mocky...), Leslie n'a pas perdu l'inspiration. Avec ce titre au tempo tranquille, elle continue de charmer et on imagine déjà un clip plein de chorégraphie...

A Commotion : ce titre porte quelque part bien son nom. Véritable surprise avec ces chœurs masculins qui scandent "a commotion", ce morceau de Feist s'aventure vers une sorte de gospel futuriste et fait la nique à Camille.

The Circle Married The Line : un titre typique dans la discographie de Feist. Des chœurs haut perchés mariés à des cordes.

Bittersweet Melodies : autre morceau dans la lignée de ceux que peut composer Feist. Rien à redire, Bittersweet Melodies reste efficace sans être spécialement original.

Anti-Pioneer : on le sait, le blues fait partie des influences de Leslie Feist. Anti-Pioneer le prouve et ce, de bien belle manière. Finement arrangé avec une guitare discrète et une batterie plus présente, le titre laisse la place à la voix de Leslie, toujours belle, on vous le répète.

The Undiscovered First : là encore, une chanson épurée. Avec juste une guitare, la Canadienne ravira ses fans. Et là encore, on se fait avoir : The Undiscovered First est un titre beaucoup plus ambitieux que peuvent dévoiler ses 30 premières secondes…Les voix - toujours les voix - sont très présentes. Les guitares sont aussi un brin plus agressives. Le final est vocal, comme quelques-uns des morceaux-phares du disque.

Cicadas & Gulls : petite ballade folk, avec juste une guitare et des voix entremêlées. Comme souvent chez Feist, l'épure et les silences sont aussi importants que l'emphase de certains titres. Très joli morceau.

Comfort Me : une autre ballade folk qui, elle aussi, trompe son monde. Après deux minutes à égrainer une série d'accords simple, Feist déroule le tapis rouge à des arrangements vocaux ambitieux et l'on imagine le public d'un stade reprendre en chœur le refrain "na na na".

Get It Wrong, Get It Right : Metals est fait de ces morceaux lents et épurés. Ce dernier titre en est l'exemple. Refrain mélodique, voix en avant, la méthode "Feist" fait encore ici son effet.

De retour après une longue absence, la Canadienne Leslie Feist délivre un troisième album basé sur des tempos assez lents. Un certain spleen est de mise, Feist délaissant le format pop à la 1, 2, 3, 4 au profit d'ambiances éthérées, de morceaux faussement calmes et d'envolées lyriques. Peut-être moins facile d'accès ou moins accrocheur, Metals reste un bon cru de la Canadienne.

- S.

(c) 2011

Entouré d’un nouveau groupe, le Brestois revient avec un album pas ordinaire. 11 titres qui commencent tous par le mot "chanson" et qui replacent Miossec sur la carte rock hexagonale. Revue track by track de ces Chansons Ordinaires.

PIAS Recordings/2011

Chanson que personne n’écoute : de gros riffs sales et une batterie lourde ouvrent ce nouvel album. Miossec et ses musiciens (Sébastien Buffet : batterie, David Euverte : claviers, Thomas Poli : guitares, tous les trois croisés chez Dominique A.) mettent le paquet pour nous faire entendre cette chanson que personne n’écoute.Chanson pour les amis : à rapprocher inévitablement d’Arcade Fire, ce titre taillé pour les stades révèle un Miossec inattendu, porté par un son opulent (piano et orgues en avant). Moins agaçante que du Cali période 1000 Cœurs "Ségolène" Debout, une chanson très efficace.

Chanson d’un fait divers : le piano qui mène ce morceau au départ assez doux qui laisse la place à des guitares nerveuses. Un texte qui évoque ces vies bousculées par les faits-divers sans faire dans le détail. On verrait bien Miossec sur la scène du Stade de France défendre ce titre très entraînant au texte un brin sordide.

Chanson pour un homme couvert de femmes : réalisé avec l’aide du fidèle Dominique Brusson (Dominique A.) et mixé par l’inévitable Mark Plati (Catherine Ringer), cet album est riche d’une production variée, comme en témoigne ce titre aux croisements de l’electro, du trip-hop et du rock.

Chanson pleine de voix : le trio qui accompagne Miossec sait occuper l’espace de bien belle manière, le son des guitares est racé, les claviers dicrets mais présents, et la rythmique soutenue.

Chanson dramatique : les chœurs féminins enrichissent ce morceau sombre, porté par un texte et une ambiance tout aussi pesants.

Chanson du bon vieux temps : riff et rythmique d’intro calqués sur le fameux No One Knows de Queens Of The Stone Age…Une surprise dans la discographie du Brestois, mais qui fonctionne plutôt bien, avec ce petit passage "manège" déstructuré en guise de refrain.

Chanson protestataire : le piano matraqué nous renvoie encore à Arcade Fire pour ce titre et pointe du doigt les contestataires de tous poils avec un certain sens de l’humour et de l’auto-dérision. "Y a pas que du bon chez les Bretons", plaisante d’ailleurs Miossec à la fin de la chanson.

Chanson qui laisse des traces : autre titre sombre sur la relation amoureuse, ce morceau est l’un des plus réussis du disque, tout en étant l’un des des plus sobres, porté par les notes liquides d’un piano et d’un marimba.

Chanson d’insomniaque : les premières notes de ce morceau dérangé font penser au Nine Inch Nails du générique de Se7en de David Fincher. Morceau agîté pour nuits nerveuses, l’un des titres les plus étonnants de l’album. "Stupeur, bonheur", pour citer JD Beauvallet des Inrocks.

Chanson sympathique : avec une rythmique sommaire mais pesante et des chœurs fantômatiques, Miossec réinvente avec son cynisme habituel la ritournelle Avoir un bon copain. Classe.

Fort d’une réalisation efficace et d’une véritable dynamique de groupe avec un son lourd et résolument rock, Miossec signe un retour gagnant avec ses Chansons (pas si) Ordinaires.

- S.

© - copyright - 2011