Capitol Records/1997

Au milieu des années 90, MTV était une vraie chaine musicale, un canal dévoué à la musique et non à des pseudos émissions de télé réalité aux scénari pré-écris, juste bons pour mettre en scène des blondes siliconées synonyme de la déchéance culturelle des moins de 20 ans actuels. Et donc à cette époque, quand MTV avait le coup de coeur pour un artiste, il n'était pas rare de voir son clip tourner en rotation et quand on poussait un peu plus loin pour écouter un album entier, on faisait de belles découvertes.
Marcy Playground fait donc partie de ces groupes qui ont bénéficié de la chaîne musicale pour attirer l'attention sur eux à l'instar de Tripping Daisy ou autres Collective Soul. Fort d'un single pop ultra efficace et désabusé, Sex And Candy, ce premier essai présente alors le chanteur/auteur/guitariste/producteur John Wozniak. C'est lui qui est derrière Marcy Playground, accompagné de Dylan Keefe à la basse et de Jared Kotler à la batterie. Le trio arrive en pleine période post-grunge, une période où on se délasse de la scène de Seattle pour se lancer vers les groupes de néo-métal (koRn, Limp Bizkit, Incubus) ou vers le côté mélodique et pop des groupes de la ville de Starbuck. Wozniak y voit d'ailleurs certaines de ces influences et y fait référence avec The Shadow of Seattle. En 12 titres, Marcy Playground balance des titres pop sucrés très courts, ultra efficaces et  singles en puissance (Saint Joe On The School Bus, Poppies), parfois sombres (One more Suicide).
Le revers du médaillon MTV, c'est qu'on est en déjà en pleine société de consommation à l'époque et qu'on délaisse rapidement les choses pour passer à d'autres. Cela a été le cas avec Marcy Playground qui retombera rapidement dans l'ombre. Pour autant, John Wozniak et les siens continuent leur petite aventure, prenant leur temps mais en publiant régulièrement de nouvelles productions. On a pu également les voir participer au Summerland Tour, un festival intinérant à la gloire des années 90, créé par Mark McGrath de Sugar Ray et de Art Alexakis d'Everclear.

- F.

© - 2013

Western Vinyl/2010

Disponible uniquement en vinyle et téléchargement : westernvinyl.com.

Fear Fun, le premier album de Josh Tillman sous le nom farfelu de Father John Misty aura marqué les esprits dans cette rédaction, dévoilant un songwriter s'affranchissant de ses cheveux longs, de sa barbe et surtout de ses morceaux folk intimistes et mélancoliques au profit d'un registre nettement plus ouvert et accessible, mais pas moins inspiré. En attendant des nouvelles de Father John Misty, 2013 sera l'occasion de revoir la discographie de l'Américain, à travers cette rubrique "l'album oublié". 
Il n'aura fallu que trois jours à Josh Tillman pour enregistrer son septième album, au titre imagé, Singing Ax. En parallèle de sa carrière de batteur chez les fameux Fleet Foxes (on est en 2009-2010 et le groupe de Seattle connait un succès grandissant et personne n'envisage le départ de Tillman), le prolifique songwriter s'est rendu chez Steve Albini et a plié en un tournemain la production d'un très bel ouvrage, quasiment dénué d'arrangements.
En effet, hormis pour quelques titres, dont l'élégiaque Three Sisters, ornés de nappes de mellotron et de quelques percussions, c'est Tillman et sa guitare qui nous accompagnent le temps d'une dizaine de chansons, tel le funambule Nick Drake enregistrant, lui aussi, un mythique Pink Moon, au début des années 70 (Diamondback et Tillman's Rag, deux titres fantastiques joué en accords ouverts). Au fil de morceaux proches de la pureté (Love No Less Worthy, Maria, Our Beloved Tyrant...), on voyage entre poésie et mysticisme intemporels, porté par la voix de Josh Tillman, l'un des trésors à demi-enfouis du folk américain s'étant depuis envolé vers de nouveaux paysages.

- S.

(c) 2013 

Dolores Recordings/Virgin/1999 & 2001

Deux albums majeurs par un artiste finalement méconnu qui sort ses disques de façon artisanale. This Cloud Is Learning et Soul Rush sont les clés de voute d'une discographie déjà bien fournie qui a souvent peiné à trouver une audience depuis le milieu des années 90.
De sa voix nasillarde, avec ses accords de guitare influencés tant par le blues que le jazz, l'ancien footballeur Nicolai Dunger trimballe ses chansons du côté de Pitea, en Suède, d'où il est originaire. Après avoir sorti chez Telegram deux albums au succès très relatif (Songs Wearing Clothes en 1996 et Eventide en 1997), il est signé chez Dolorès Recordings, label affilié à Virgin.
Parait alors This Cloud Is Learning en 1999, le disque qui le fait connaitre auprès d'un public plus large et qui démarre une collaboration avec Ebbot Lundberg, membre de Soundtrack Of Our Lives. Le disque navigue entre folk intimiste, intrumentaux et plages expérimetales. Parmi les réussites - le disque en compte pas mal, il faut dire - on trouve Something In The Way, single countrysant imparable et What Tomorrow qui évoque Van Morrison, l'une des influences majeures du Suédois, par son côté Brown Eyed Girl. A ces chansons entrainantes et accrocheuses, le Suédois mêle des titres plus ramassés mais lumineux (Father, This Town). 

Deux ans plus tard (entre temps, deux autres LP paraissent, Blind Blemished Blues (2000) album orienté jazz enregistré avec Esbjörn Svensson Trio et A Dress Book (2001), tous deux faisant partie d'un futur coffet vinyl à paraitre en 2002, The Vinyl Trilogy), Dunger met sur pied Soul Rush, disque plus ample que This Cloud Is Learning. L'album mélange sonorités country et vélléités jazz. E.S.T. l'accompagne et Jari Haapalainen (Ed Harcourt, Camera Obscura, The Concretes) est aux manettes. Sur la pochette, Dunger porte une chapka et chante les aventures du train de Dr. Jivago (Dr. Zhivago' Train), invite pedal steel, banjo sur des titres magnifiques (I'd Rather Die, Soul Rush). L'ombre de Van Morrison continue de planer (Something New) et les titres aux inflexions jazzy et soul (Return Of Love, Blue From Death, Ballad Of A Relationship), mélancoliques ou romantiques (For That Someone, The Nest) font de ce disque un objet cohérent et chaleureux. 

Malgré une créativité jamais en berne - tout de même 14 albums et une B.O. de film -, le Suédois n'a pas vraiment réussi à se faire une place de choix, ne serait-ce que dans la sphère indé. Il aura beau aller jusqu'au Kentucky enregistrer un superbe disque avec Will "Bonnie 'Prince' Billy" Oldham (Tranquil Isolation, 2003) ou convoquer Mercury Rev pour mettre sur bande Here's My Song You Can Have It... (2004), le public ne suivra jamais vraiment, comme l'indiqueront les faibles ventes de l'un de ses derniers albums pourtant très réussi, Play, et paru chez Fargo en 2009. Mais on l'a plus ou moins toujours senti, Nicolai Dunger, qui reprend régulièrement son activité de jardinier, sort des disques pour le plaisir et ne soucie plus forcément de l'impact que ceux-ci vont avoir.

- S.

(c) 2013

Epic/Sony/1992

A film oublié, album oublié. Il y a tout juste vingt ans sortait sur les écrans Singles, film du réalisateur Cameron Crowe, auteur entre autres de Jerry Maguire ou Presque Célèbres. Singles est une comédie romantique dont le scénario prend place à Seattle, bien avant que Dr Mamour ne vienne explorer l'anatomie de Meredith. Nous sommes au début des années 90 et l'histoire se déroule sur fond de la scène musicale de l'époque alors en pleine effervescence grunge. Le personnage joué par Matt Dillon fait d'ailleurs partie d'un groupe dont les membres sont simplement Eddie Vedder, Jeff Ament et Stone Gossard. Même si le titre mis en avant pour promouvoir le long métrage arbore les accents pop rock de Paul Westerberg (Dyslexic Heart), la bande-son du film est surtout composée logiquement des formations du mouvement estampillé "grunge" et autres groupes assimilés. On retrouve des titres déjà présent sur les disques respectifs des combos (Would? sur Dirt d'Alice In Chains ou Crown Of Thorns sur Apple de Mother Love Bone et encore Nearly Lost You du Sweet Oblivion des Screaming Trees). Pour d'autres, c'est l'occasion de mettre en lumière des faces-B ou des inédites comme Breath et State Of Love And Trust de Pearl Jam qui à l'époque avaient été coupées de la tracklist de Ten. Soundgarden et Chris Cornell (le Led Zepplinien Seasons) sont bien sûr de la partie, ce dernier y allant de son caméo dans le film. Et bien entendu, on retrouve l'hommage à un autre grand nom disparu de Seattle, Jimi Hendrix (la présence de Mother Love Bone peut être vue aussi comme une pensée pour Andrew Wood). Mudhoney, The Smashing Pumpkins et The Lovemongers complètent la tracklist.

Même si le film a plus ou moins bien vieilli, il demeure encore selon certains le reflet de l'atmosphère qui règne toujours à l'heure actuelle sur Seattle. En revanche, sa bande-son est un parfait témoignage du son de l'époque et constitue un excellent best of. Depuis, certains groupes continuent leur route, d'autres ont splitté avant de se reformer. Cameron Crowe quant à lui ne s'est jamais affranchi de cette époque. Pour preuve, c'est à lui qu'on doit le documentaire  Twenty paru l'année dernière et qui retrace la carrière des mythiques Pearl Jam.

- F.

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Polydor/1994

1994. Année phare dans l'histoire de la musique anglaise. C'est l'explosion de la Britpop, Oasis et Blur sont sur le devant de la scène, et captent presque toute l'attention, notamment grâce au pseudo combat qui les oppose et qui fait le bonheur des tabloïds. Mais en dehors de ces deux formations, d'autres surfent aussi sur la même vague, connaissant plus ou moins de succès. On pourrait citer Menswear, The Bluetones, Cast et Shed Seven donc. Tous ces groupes mériteraient quelque part de se retrouver dans cette rubrique mais on va s'intéresser aujourd'hui au dernier cité (mais cela ne veut pas dire pour autant qu'on ne consacrera pas quelques lignes aux autres à l'avenir).

Shed Seven est originaire du nord de l'Angleterre, comme les frères Gallagher. D'ailleurs leur style est plus à rapprocher tant musicalement que mentalement de celui d'Oasis. On ne sent pas une ouverture d'écriture comme on peut la trouver chez Albarn et Coxon. Change Giver fait dans la pop à tendance rock, avec un chant plein de nonchalance, à la diction trainante de la part de Rick Witter. Un leader qui ne déroge pas à la règle de l'époque : tête à claque, arrogant et qui pour faire original avait proclamé son groupe comme le "plus grand groupe du monde". On n'en est pas là bien entendu même si ce premier album de Shed Seven est un véritable recueil de 11 tubes. Le premier coup de poing était venu du single Dolphin, commençant sur des percussions quasi tribales, il possède un refrain ravageur ("Shame on you, there's something in my head and it's got it's back to me") qui crée une adhésion immédiate. Pour l'anecdote, on aura droit à une performance live sur le plateau de Nulle Part Ailleurs, une époque où le son des lives de Canal était excellent et où on n'avait pas à se coltiner l'insupportable et pas vraiment utile China Moses (merde, je regretterais presque Tania Bruna-Rosso). Bref. Dirty Soul ouvre ensuite Change Giver. La gratte stridante en intro n'est pas sans rappeler celle du Columbia d'Oasis mais ensuite le morceau devient un titre pop assez influencé 60's. Les pistes se succèdent et font toujours mouche. Sens de la mélodie imparrable et refrains fédérateurs, que ce soit en mode pop rock (Head And Hands, le titre sous haute influence des Stones Roses Mark) ou lorsque que le tempo ralentit (Speakeasy, la formidable Long Time Dead). Le slow est totalement maitrisé avec Ocean Pie. Et Shed Seven démontre tout son savoir faire en offrant en clôture de Change Giver un morceau épique de 8 minutes, qui touche presque au shoegaze et devient un titre plânant (On An Island With You).

Le premier essai de Rick Willer et des siens est une réussite de bout en bout. Mais le véritable succès du groupe viendra deux ans plus tard avec A Maximum High, pourtant en dessous de son ainé, mais qui aura droit cependant à une réédition en 2011. Malheureusement, l'intérêt pour la formation de York retombera avec le courant musical qui les avait vu naitre.

- F.

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Anti-/PIAS/2004

Quand, au début des années 2000, Cat Power, grande prêtresse folk, faisait sensation à travers le monde et qu'on n'avait pas encore entendu parler d'une certaine Alela Diane, Jolie Holland, texane d'origine mais installée à San Francisco, sortait son deuxième album, savoureux recueil de folksongs à l'ancienne, aux accents jazz, blues et country.
Membre fondatrice de The Be Good Tanyas, Jolie Holland présente, en 2004 donc, Escondida sur le label Anti- (qui héberge notamment Tom Waits, Grinderman ou Tricky), un disque enregistré au Canada recèlant des chansons ensorcellantes et ayant connu un succès d'estime. Comme Alela Diane, Jolie est allé fouiller dans son grenier pour y dénicher les vieux disques qu'écoutaient ses parents et ses grands-parents. Fade Coat Of Blue et Old Fashioned Morphine auraient d'ailleurs pu figurer sur un disque d'Alela sans que cela ne paraisse bizarre.
Sur Escondida, on retrouve l'esprit de la musique traditionnelle américaine dans ce disque, ce même esprit qui influence et nourrit aujourd'hui la musique du groupe Moriarty, par exemple. 
A son écoute, force est de constater que ce disque se fiche bien des modes, Jolie Holland semble s'y amuser follement, pour preuve ce Mad Tom Of Bedlam, morceau au groove implacable, qui fait se rencontrer la voix funambule de Jolie et une batterie décontractée au son jazzy. 
Comme le démontre Sascha, qui ouvre magnifiquement le disque, Jolie Holland est aussi très à l'aise pour composer et interprêter de belles ritournelles de facture classique sur lesquelles ne cracherait pas Norah Jones (Amen, Damn Shame). 
Depuis, Jolie Holland a sorti deux albums (Springtime Can Kill You, 2006 et The Living And The Dead, 2008), dans la lignée de leur prédécesseur, mais qui n'ont pas rencontré le même succès. En tout cas, on pourra considérer Escondida de Jolie Holland comme un classique du genre.

- S. 

(c) 2012

Noise Product Switzerland/1995

Les trentenaires bisontins ont toujours la larme à l'oeil quand on évoque Musique Machine, fameux magasin de disques, d'une époque où il y avait un disquaire à chaque coin de rue (et même parfois au fond d'une cour), époque tristement révolue. C'est donc dans ce magasin que j'étais tombé sur ce CD, alors en écoute. Nous sommes au milieu des années 90, Killing In The Name fait trembler tous les amplis et nombre de groupes étiquettés "fusion/hardcore" font leur apparition. C'est le cas de Eastwood, qui bien que portant le nom d'un célèbre acteur américain, sont originaires de Suisse. Car à l'époque, l'Europe n'était pas en reste pour concurrencer sur leur terrain RATM, Dog Eat Dog ou autres Sugar Ray. Citons H-Blockx, Such A Surge ou Clawfinger. Mais revenons à Behind The Wall. Le groupe cite des influences autant rock que hip-hop (Public Enemy notamment). Sans remporter la palme de l'originalité, les Helvètes ont su tirer leur épingle du jeu pour cette album qui restera leur unique. Medium démarre très fort l'opus, avec un flow pas toujours maitrisé mais à la guitare violente et une section rythmique tranchante. A l'exception de 1984, tous les textes sont en anglais, ce qui évitera au groupe d'être comparé à Silmarils ou Oneyed Jack. Même si en revanche on fera un rapprochement évident avec les copains de Zach De La Rocha (Fire et son break de basse et une construction générale très proche de Freedom), Eastwood propose d'excellents titres purement hardcore (Flavor, Train). L'influence hip-hop se fait particulièrement sentir dans Emergency, avec ce rythme typique de titres rap. Stand est un titre bien heavy dont le son de guitare fait penser à Helmet ou Therapy?, période Troublegum. Behind The Wall n'était donc pas un album des plus originaux mais il en restait très efficace.

Le groupe se sépare donc après cette unique réalisation. Une partie des membres formera ensuite Shovel, formation dans la même veine mais qui elle non plus ne fera pas long feu.

- F.

© - copyright - 2012

Karate Body Records/2009

Among The Gold signe la rencontre de deux formidables artistes, le temps d'un EP envoûtant. Honneur à la demoiselle: Cheyenne Marie Mize, mutliinstrumentiste, qui après un premier album remarquable, dans une veine folk ( Before Lately) vient de publier un second essai très rock indie, laissant entrevoir de belles choses pour le futur (We Don't Need). Avec elle donc, quelqu'un qu'il n'est plus vraiment nécessaire de présenter, Will Oldham alias Bonnie "Prince" Billy, très souvent chroniqué dans nos pages et qui l'automne dernier nous a offert un  Wolfroy Goes To Town de grande facture. L'homme est très friand des collaborations ponctuelles, comme l'en atteste son récent Bonnie & Mariee, en duo avec Mariee Sioux. Ici, la rencontre est presque naturelle. Cheyenne Mize et Will Oldham sont originaires de la même ville, Louisville (KT). Quand nous avons rencontré Cheyenne, elle nous racontait qu'en gros, ils se croisaient souvent en ville, fréquentant certainement les mêmes cercles musicaux. Et un jour, on traverse la rue et on se fait un boeuf (copyright S.). Leur réunion donne donc naissance à Among The Gold, qui est un recueil de morceaux traditionnels américains, datant de la fin du 19° siècle et du début du vingtième. Cheyenne assure toute la partie instrumentale (guitare, violon et autoharpe) et Oldham se contente d'accompagner la belle au chant (aux champs?). On a l'impression d'entendre des chansons tout droit sorties du gramophone et le pressage vinyl n'en est donc que des plus judicieux. Que ce soit pour la berceuse folk Silver Threads ou la déclaration d'amour Let Me Call You Sweetheart, on est littéralement emporté, surtout quand Cheyenne prend une voix si suave (Kiss Me Again). Elle maitrise tout son répertoire instrumentale et peut se poser en concurrente de PJ Harvey à l'autoharpe (Loves Old Sweet Song). Même s'il n'est là que par sa voix, Bonnie "Prince" Billy fait preuve d'une retenue qui sert à merveille les compos. Alors même si on n'est pas familier des ces chansons, qui parlent certainement plus de l'autre côté de l'Atlantique on n'en est pas moins touchés. Et ici, il restera un EP idéal à écouter à deux, au coin du feu (ou sous la couette ajouterait mon collègue Jean Flou).

- F.

© - copyright - 2012